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 Asunto: Noticias en la prensa sobre teatro
 Nota Publicado: Mié Ene 09, 2008 9:06 pm 
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Como hay bastantes temas abiertos sobre noticias de teatro que aparecen en la prensa nacional, vamos a abrir un tema específico sobre el mismo, por lo que si queréis hablar de alguna noticia aparecida en la prensa, la televisión o la radio, este es el lugar.
Recordad haced un link siempre al artículo en sí.

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DOMINGO ORTEGA
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Última edición por DOMINGO el Jue Ene 10, 2008 8:52 am, editado 4 veces en total

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 Asunto: SOBRE LA NUEVA DRAMATURGIA ESPAÑOLA
 Nota Publicado: Jue Ene 10, 2008 8:43 am 
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SOBRE LA NUEVA DRAMATURGIA ESPAÑOLA

Os coloco aquí un artículo publicado en el periódico , que quizá os interese.


La cartelera teatral se refresca con los dramaturgos nacidos en las décadas de los 60 y los 70
PAULA CORROTO - Madrid - 09/01/2008

El comienzo de 2008 confirma los buenos augurios que para el teatro trajo el año 2007. Si se hecha un vistazo a la cartelera actual -principalmente a los teatros públicos y salas alternativas de Madrid y Barcelona-, se puede ver que está plagada de una savia nueva que tiene mucho de revolucionaria.

Por muchas razones. Una de ellas, porque traen aire fresco a los textos. Pero sobre todo, y la más importante: porque también están suponiendo un efecto llamada para los espectadores al teatro y lo está rejuveneciendo. Están quitándole el polvo a las bambalinas y al patio de butacas.

Nombres de la generación de los 60 como Juan Mayorga, Lluïsa Cunillé, Paco Zarzoso, Laila Ripoll, Angélica Liddell, o Salva Bolta son cada vez más habituales en los grandes teatros públicos como el Centro Dramático Nacional o el Lliure. Y ya despuntan los más jóvenes, los nacidos en los 70 como Pau Miró, Rodrigo García, Carlota Subirós, Ana Zamora, Jordi Casanova, Paco Bezerra, Marco Canale y Eva Hibernia. Estos últimos ya se están haciendo un hueco bastante importante en teatros y salas alternativas. Son dos generaciones que se miran entre sí y que incluso se admiran.

La renovación inevitable

Para la dramaturga Laila Ripoll, las causas están muy ligadas a la formación. "Nosotros hemos tenido unos talleres muy buenos. Y también hemos crecido en el teatro como currantes. Hemos hecho de todo, desde el texto hasta poner el decorado", explica. Juan Mayorga (1965) corrobora esta teoría. "Yo no he estudiado en la RESAD, pero reconozco haber tenido unos maestros impresionantes como José Sanchís Sinisterra y Marco Antonio de la Parra", afirma el reciente Premio Nacional de Teatro.

La lupa en el detalle

Los más jóvenes se fijan precisamente en el trabajo de Mayorga o Lluïsa Cunillé. De ahí que, como hace el dramaturgo madrileño, cada vez se buscan más textos que no aluden a los grandes temas, sino al detalle, al matiz. "Es verdad que ahora ponemos la lupa en otros aspectos porque hay tal saturación de estímulos que la única manera que ver lo global es pararte en lo minucioso. Los grandes ideales han sido necesarios, pero decir hoy que la guerra es mala y la paz es buena es algo obvio", señala Pau Miró, que acaba de estrenar Singapur en la sala Beckett de Barcelona.

Esta característica enlaza con la necesidad de penetrar en un teatro comprometido, pero que no suene a panfletario, sino que rezume cierta belleza. "Hace unos años, la política se había dado por liquidada. Ahora hay una revitalización, pero no cayendo en el partidismo.", afirma Mayorga.
Ahora bien, no todo es oro. "Los centros públicos se abren, pero faltan más, y es triste que los dos polos del teatro público sigan siendo Madrid y Barcelona. En eso no hemos cambiado", resume Salva Bolta.

PAU MIRÓ (Barcelona, 1974)

La Sala Beckett presenta este jueves Singapur, el último texto escrito y dirigido por Pau Miró (Barcelona, 1974). Esta obra, estructurada en tres secuencias, parte de la desesperación. Según relata el propio Miró, “las desesperaciones tienen mucho en común y pueden unir mucho a las personas”. La obra también es una carta de amor. “Es el recuerdo de esas personas a las que amamos, y que, aunque físicamente ya no estén, las seguimos teniendo dentro”. Ahí se advierte uno de los rasgos de su teatro: el intento de sacar lo bello de lo nauseabundo. “Es que la belleza existe, sólo que muchas veces preferimos no verla”, zanja.

JUAN MAYORGA (Madrid, 1965)

Nacido en Madrid en 1965, el reciente Premio Nacional de Teatro Juan Mayorga se ha convertido ya en un referente para los dramaturgos de la generación de los 70. En los próximos meses estrenará La tortuga de Darwin, La paz perpetua y una versión del drama de Shakespeare, El rey Lear.

SALVA BOLTA (Valencia, 1965)

Hace tres años, Salva Bolta se subió, como ayudante de dirección, al carro del Centro Dramático Nacional y desde entonces no se ha bajado. Procedente del teatro valenciano, ahora estrena Delirio a dúo, obra de Ionesco en la que ha dirigido a Gerardo Malla y Jeannine Mestre. Bolta (Valencia, 1965) es un apasionado del teatro del siglo XX, pero sobre todo, “de un teatro que recoja el pulso social, y que también valore el texto, la palabra”, señala.

LAILA RIPOLL
(Madrid, 1964)

Laila Ripoll (Madrid, 1964) terminó 2007 con la versión que hizo para la CNTC de Del rey abajo, ninguno de Rojas Zorrilla. Abre 2008 con El árbol de la esperanza, un texto de 1997 sobre Frida Kahlo, que se estrena en la Cuarta Pared (Madrid), “una sala que ya es como mi casa”, apunta.

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Última edición por DOMINGO el Jue Ene 10, 2008 8:50 am, editado 1 vez en total

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 Asunto: LA DEPENDENCIA DE LAS SUBVENCIONES
 Nota Publicado: Jue Ene 10, 2008 8:48 am 
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LA DEPENDENCIA DE LAS SUBVENCIONES

Hoy es la que hace un artículo muy interesante sobre la situación del teatro español. Tres estudios de distintas universidades que se presentarán en el Congreso Escenium, muestran el teatro como un sector dependiente de las subvenciones ¿y el público?


Una de cada diez compañías no ha podido producir un montaje en los últimos 3 años
La taquilla no está de moda: ahora casi todas las compañías tienen su caché. Tres estudios han analizado el sector.
M. Ayanz - 10 de enero de 2008

MADRID- Los próximos días 5, 6 y 7 de febrero, diversos especialistas y representantes de todas las ramas de las artes escénicas se reunirán en la tercera edición del congreso Escenium, en el Palacio Uskalduna de Bilbao, para debatir el estado actual del teatro, la danza y la música en España. Allí se presentarán tres estudios, encargados a las Universidades de Barcelona, Deusto y Rey Juan Carlos, cuyas primeras conclusiones se presentaron ayer. Entre ellas, la más llamativa y unánime es la fuerte dependencia del sector de las administraciones públicas. Lluis Bonet Agustí, responsable del equipo de investigación del estudio de la Universidad de Barcelona, lo define como un «sistema precario». Y añade, desde una perspectiva económica, que se trata de «un sector que se caracteriza por una estructura de muy pequeñas empresas que puede entrar en crisis». Dicho de otra forma, «un modelo muy dependiente y frágil de minifundismo empresarial». Valoraciones aparte, los datos recogidos para los últimos 15 años muestran que el 70 % de los recintos escénicos profesionales son de titularidad pública. «Esto condiciona el modelo de ingreso de las compañías. Nos encontramos con que prácticamente todas van a caché [un precio fijo por función, en vez de depender de la venta de entradas], no a taquilla: eso quiere decir que asumen riesgos de forma limitada».
Más claro: el 76 % de los ingresos de las «unidades de producción» (compañías, artistas, etc.) procede del «cachet», el 13 % de subvenciones y sólo el 9 % de la taquilla. Además, señala Bonet, es difícil establecer si un espectáculo es o no rentable dada la falta de datos de asistencia de público, y la «opacidad» general de las compañías y de algunas entidades públicas para hablar de lo que perciben o generan. Aun así, el estudio ha establecido unos «ratios» de rentabilidad, con los que ha llegado a varias conclusiones, como que las compañías de más tamaño obtienen mejor resultado proporcional y que, en el caso de la danza, «el ratio están por los suelos».
Más datos: el teatro se ha descentralizado, con más espectáculos en otras ciudades al margen de Madrid y Barcelona, y el número de festivales ha crecido: el 53 % de los certámenes profesionales se crea en el último decenio, lo que Bonet achaca a que «las barreras de entrada y salida a los espectáculos son muy bajos, y un festival te permite notoriedad en un periodo muy breve de tiempo».
Subvenciones
Para Arturo Rubio Arostegui, responsable del estudio de la Universidad Rey Juan Carlos, para el que ha analizado datos del periodo 1997-2006, concretamente relativas a las subvenciones, es llamativo que «muchas administraciones no saben bien lo que gastan». El estudio revela que las subvenciones se han incrementado en estos diez años, «aunque han disminuido en términos nominales lo que perciben los agentes del sector». Los organismos que más volumen de ayudas aportan son Cultura, a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (Inaem), y las consejerías de Cultura de las Comunidades Autónomas. Dentro de las ayudas del Inaem, la música, con el 77 % recibe la mayor parte, frente al teatro (19 %) o la danza (4 %).

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 Asunto: ESCENIUM: Foro internacional de Artes Escénicas
 Nota Publicado: Jue Ene 10, 2008 9:01 am 
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ESCENIUM: Foro internacional de Artes Escénicas

Los próximos días 5, 6 y 7 de febrero de 2008 se celebrará en Bilbao en el Palacio Euskalduna la tercera edición de este encuentro entre sectores de la creación, distribución y programación de las artes escénicas en España.

A continuación os copio la introducción que aparece en su (que podéis visitar), para que conozcáis este congreso.

Escenium, III Foro Internacional de las Artes Escénicas, es a la vez un Congreso, un Mercado y una Exhibición de espectáculos, en definitiva una herramienta profesional de trabajo de primera magnitud. Un proyecto de envergadura, diferente a la oferta actual existente, importante y necesario para el sector en el que nos movemos.

Escenium surge como propuesta original de La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública que promueve a través de un convenio de colaboración con las tres instituciones vascas – Ayuntamiento de Bilbao, Diputación Foral de Bizkaia y Gobierno Vasco -, la celebración de un acontecimiento cultural de primer orden.

En esta III edición están implicados además de La Red y las instituciones vascas los representantes de la Federación estatal de productores FAETEDA, la Federación estatal de asociaciones de gestores culturales, la asociación de distribuidores ADGAE y la Coordinadora de Ferias.

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 Asunto: TEATRO "DE SALÓN"
 Nota Publicado: Dom Ene 20, 2008 11:56 am 
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TEATRO "DE SALÓN"

Hola, aquí os pongo un artículo de que habla de una experiencia muy interesante. Si alguien conoce algo sobre este grupo, si ha visto alguno de sus montajes, etc., nos encantaría que hablara de ello.

REPORTAJE
Cuando Chéjov se pasea por tu salón
Una compañía madrileña monta obras de teatro a domicilio

CLAUDI PÉREZ - Madrid - 20/01/2008

No hay telón, ni escenario propiamente dicho, ni mucho menos patio de butacas. Y sin embargo, lo que aquí se cocina es teatro. Sin camerinos, sin los característicos carteles luminosos, sin colas en la entrada. Tan sólo un salón con un sofá y unas sillas y, como atrezzo, una botella de vino tinto y otra de JB en un piso espacioso de La Navata, a 30 kilómetros de Madrid.

La idea viene de Latinoamérica y ha arraigado también en Cataluña "Es extraño ver a los actores sentados en el sofá de casa, a un metro"

Los propietarios y una docena de amigos son el público de una comedia negra con suspense, sorprendente, malévola, con un punto divertido. Un actor, una actriz, y hasta tres piezas de Antón Chéjov en el menú. Se trata de un proyecto de teatro a domicilio, emboscado en el salón de cualquier casa. Dos madrileños y un barcelonés están tras esta propuesta, que podría calificarse como alternativa si ese calificativo no estuviera tan devaluado. En realidad es una idea fresca que viene de Latinoamérica, que ha arraigado en Cataluña y que busca despertar un poco más el apetito teatral de Madrid. El nombre de la compañía es explícito: Teatro en el Living.

La leyenda dice que Buenos Aires mantiene más de un millar de teatros en activo. En Madrid hay apenas unas decenas. Estrenar no es fácil. A la propuesta puramente teatral hay que sumarle ciertas dosis de industria: escenografía, decorados, vestuario, producción, promoción, publicidad. Huelga decir etcétera, y transformar todo eso en dinero. Procedente del cine, el director Max Lemcke se dio de bruces con un texto que le gustaba -al que luego ha ido añadiendo más repertorio- y decidió meter la tijera en todo lo demás. "La idea era contar una historia, ir a lo sencillo y despreocuparse de los obstáculos. Ahorrar energías y sacar el proyecto adelante", resume el director. Es su primera incursión en el teatro: tras un largo camino por los cortometrajes y su paso por numerosos festivales en todo el mundo, dirigió su primera película en 2003, Mundo fantástico, y ha estrenado en el Festival de San Sebastián su segundo largometraje, Casual day. "Empezamos a ensayar en junio y fuimos cumpliendo plazos. Estrenamos en octubre en una casa cercana a la puerta de Alcalá, y desde entonces representamos cada vez que nos sale un bolo", resume Lemcke, que tiene planes para ampliar repertorio.

El director y los dos actores, Helena Alonso y Pere Brasó, suelen visitar el piso donde van a representar unos días antes de la función. Se adaptan al espacio. El público se saluda antes del telón (aunque en realidad no hay telón). Para todos es su primera vez con el teatro a domicilio, y eso puede comprobarse a lo largo de la hora escasa de duración de la obra, en las que se rompen las tradicionales barreras público-actor, o platea-escenario. "La experiencia de tener al público cerca es extraña, para empezar. Y puede ser un obstáculo, una dificultad añadida. Pero después es emocionante. Como un híbrido entre el cine y el teatro. No hay que proyectar la voz como en una sala, se puede ir más al detalle, sacar provecho de la proximidad", sostiene Brasó. "El público está poco acostumbrado a tanta cercanía y a participar más que de costumbre, casi en una situación de peligro, sin saber lo que puede pasar", añade Alonso.

Las reacciones del público no son las mismas que en un teatro convencional. Las motivaciones, tampoco. "Primero, es una excusa para convocar a los amigos. Y el formato es original", describe Juanjo Ganuza, el propietario de una de las casas por las que ha pasado ya Teatro en el Living. "Es extraño ver a los actores jugando con los muebles, los vasos, los libros, sentados en el sofá de casa, a un metro de distancia. No tiene nada que ver con lo que toda la vida ha sido ir al teatro. Es otra cosa", añade.

Actores y director funcionan como una cooperativa. Max Lemcke hace ciertas labores de producción. Cada uno aporta algo al vestuario. Con la web de la compañía (www.teatroeneliving.com) y el boca a boca programan una función "cada dos o tres semanas". La tarifa es de unos 10 euros por persona, pero todo es adaptable. "Incluso el final", explica Helena. "Hay públicos fríos, voyeurs, y otros más cálidos y generosos. Y en función de lo que va pasando, hay cierta libertad para elegir el final: optar por uno más esperanzador o por otro más desastroso". En febrero tienen previsto saltar al escenario en el Festival Alternativas. Hoy actúan en el centro de Madrid, en un piso de Malasaña. "A falta de telón, cortinas", se ríe Pere Brasó. Pero teatro al cabo.

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 Asunto: ORFEO Y EURÍDICE DE PINA BAUSCH
 Nota Publicado: Jue Feb 07, 2008 8:51 am 
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ORFEO Y EURÍDICE DE PINA BAUSCH

Este artículo de muestra el trabajo de P.Bausch en la Ópera de París. Esperamos que pueda venir a algún festival español, y si no, podríamos hacer un peregrinaje para ver esta pieza.

El ritual órfico de Pina Bausch en la Ópera de París
ROGER SALAS - París - 07/02/2008

En este mundo atroz de hoy, tan lleno de vanidad, falsos triunfos efímeros y donde tantas causas perdidas mueven a risa, Pina Bausch líquidamente nos transporta a lo esencial con esta obra a la que ya sin esfuerzo consideramos un "clásico" en toda regla. Ha sido anteayer la puesta de largo en la Ópera de París del Orfeo y Eurídice de Gluck en el formato de ópera-danzada que la coreógrafa alemana creara en 1975 en Wuppertal y que el 30 de mayo de 2005 se puso por primera vez en Garnier con ciertas dudas de su permanencia y oportunidad. Han pasado tres años y estas funciones son las de consolidación en el programa activo, el asentamiento de un repertorio tangencial y acaso extraño a la magna casa parisiense, pero que al final resulta soberbio en lo artístico y pleno en sus resultados.
La nueva generación que forma el reparto da una lección de entrega y energía a la par de cantantes, coro y orquesta. El canto órfico de amor y muerte es mostrado a través de una lectura ceremonial, tensa y donde los cuerpos van formando túmulos funerarios que se animan luego en un baile airado, de respiración profunda, de incertidumbre y de viaje a las tinieblas, un ejercicio sin redención posible ni siquiera desde las cimas del arte, creando así un Orfeo plural, colectivo.
El corolario tantas veces esgrimido por Pina de que la danza es una, encuentra aquí una demostración triangular, los ejes cardinales que van de los intérpretes al resumen estético pasando por el mito. ¿Por qué creemos hoy que esta pieza es un clásico? Pues porque en su lectura ya aparecen formas y funciones que luego, a lo largo de tres décadas, han ido apareciendo aquí y allá en los más diversos escenarios de la danza y el ballet contemporáneos. En Pina la síntesis se proyecta como anticipación. Hasta la manzana que cuelga de un hilo invisible, Forsythe la corrompe, la pinta de dorado 20 años después sobre este mismo escenario; la escena, el tratamiento de la luz y los trajes, la gallardía ceremonial que se transforma en una sorda tensión dramática. El estilo Bausch ya estaba entonces formado, clarificado, y en él se ve la línea Kurt Jooss-Jean Cebron discurriendo expositivamente y se atreve uno a sugerir, viajando hacia atrás, hasta los coros femeninos de Mary Wigman. Es difícil que este éxito se olvide fácilmente y que estos bailarines no sean laureados por su hermosísimo trabajo: Yann Bridard (Orfeo / El amor), Eleonora Abbagnato (Eurídice / La muerte) y también Vincent Chaillet, Vincent Cordier y el potente Alexis Renaud. Sobre cualquier teorización, la buena danza se impone; los bailarines clásicos ofrecen una riqueza de matices a la lectura que la hace deliciosa en su intensidad.

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 Asunto: CRÍTICAS AL PP EN LOS MAX, CRÍTICAS DEL PP A LOS TEATREROS
 Nota Publicado: Jue Feb 07, 2008 9:11 am 
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CRÍTICAS AL PP EN LOS MAX, CRÍTICAS DEL PP A LOS TEATREROS

Noticia de [url=http://www.larazon.es/19182/noticia/Cultura%20y%20Espect%E1culos/El_PP_achaca_los_ataques_en_los_premios_Max_a_los_%ABest%F3magos_agradecidos%BB]La
Razón[/url], 07/02/2008

El PP achaca los ataques en los premios Max a los «estómagos agradecidos» Cambiar el tamaño del texto
R. C.
sevilla- El portavoz de Cultura del PP de Andalucía, Antonio Garrido, afirmó ayer que entiende y se esperaba que «los estómagos agradecidos que viven de las subvenciones» aprovecharan la gala de entrega de los Premios Max, celebrada el lunes en Sevilla, para criticar a su partido. En declaraciones a Ep, Garrido recordó que existía «una compañía de discos llamada ?La voz de su amo?, por lo que es lógico y comprensible que los estómagos agradecidos sean fieles a quien los alimenta».
Durante la gala de los galardones se arremetió en varias ocasiones contra las posturas del PP sobre la política linguística o su rechazo al canon, entre otros asuntos. Así, actores como Francesc Orella, ganador del Max por su papel en «El enemigo del pueblo», pidieron precaución para que «ningún enemigo del pueblo se haga con el poder el 9 de marzo, porque son muchos y peligrosos». La directora Carme Portacelli también criticó al PP y aseguró que es una «vergüenza» que un partido trate de imponer el bilingüismo en inglés y castellano.
Vivir de las subvenciones
No obstante, Garrido continuó admitiendo con ironía que no le sorprende y que ve «muy coherente y muy bien», que actores y personalidades de las artes escénicas «critiquen al PP, porque viven de las subvenciones, aunque el problema está en que estas subvenciones se pagan con el dinero de todos los ciudadanos, voten al PP o al PSOE».
A su juicio, «desde un punto de vista ético, como ellos no saben qué parte de sus ayudas vienen de votantes del PP, es muy poco decente hacer esas críticas, que se corresponden con una izquierda que no es izquierda, sino una manifestación de régimen trasnochado, sobre todo teniendo en cuenta de que son críticas que hoy recogen todas las agencias internacionales de noticias», añadió con sarcasmo.
Por último, el portavoz popular de Cultura calificó estas críticas como «un teatrillo, y nunca mejor dicho, representado en el Lope de Vega».

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 Asunto: SOBRE LAS CRÍTICAS EN LOS PREMIOS MAX
 Nota Publicado: Jue Feb 07, 2008 9:13 am 
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SOBRE LAS CRÍTICAS EN LOS PREMIOS MAX

Desde mi punto de vista, este señor se ha hecho un lío con los dineros, las subvenciones y la crítica.
Uno: El dinero que se tributa no es del PP ni del PSOE ni de sus votantes. Es del Estado Español, y quien gobierna tiene el deber de administrarlo. No hay porcentajes políticos en los presupuestos.
Dos: Es legítimo que se critique a quiénes en su derecho, criticaron al PP, pero el resultado de esta crítica es que ha criticado a toda la profesión, y quizá, de la administración, sí que reciben subvenciones proyectos artísticos de personas o grupos que puedan ser del PP o del PSOE. ¿Cómo se sentirá un productor de derechas cuando lea estas declaraciones? Si tiene el estómago lleno, posiblemente se le revuelva.
Tres: Todo el mundo tiene derecho a decir lo que quiera sobre lo que quiera y en el lugar que quiera. Pero al recoger un premio y soltar el discurso político, y más, pedir el voto contra el PP como hizo Orella, ¿no estamos haciendo lo mismo que han hecho los Obispos? Y digo "estamos haciendo" en primera persona plural, porque los organizadores y premiados deberían saber que estos premios, nos guste más o menos, representan a toda la profesión, y en cierta forma lo que en esta gala se diga, se está diciendo en nombre de toda la profesión. Cuando Francesc Orella haga una rueda de prensa, que diga lo que quiera. Al recoger el premio, debería haber pensado un poco más.

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 Asunto: ENTREVISTA A NACHO DUATO
 Nota Publicado: Jue Feb 07, 2008 9:18 am 
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ENTREVISTA A NACHO DUATO

No os la perdáis. Habla muy conciso de varios temas muy importantes.

7/2/2008
Nacho Duato: ''La danza es la cenicienta del arte''

MARTA CERVERA
BARCELONA

--¿No dijo que se retiraba?
--Nunca lo hice del todo. Hacía 10 años que no bailaba una pieza de esta dimensión, con tanta implicación física y en la que también recito unos monólogos. La obra se inspira en la película El cielo sobre Berlín. Necesitaba a alguien maduro para el rol de ángel y yo, con 51 años, era el único de la compañía.

--Un joven bailarín español ha conquistado un importante premio en Lausana. ¿Vamos bien?
--Ganar un concurso y tener tres primeras figuras en el mundo no es la manera de fomentar la danza. Hay que trabajar desde abajo, sembrando en escuelas y conservatorios. Tener estrellas está muy bien pero no sirve de nada sin una base sólida. Pero las cosas se hacen cada vez mejor.

--Usted atrajo a un nuevo público a la danza. Ángel Corella y Tamara Rojo pretenden hacer lo mismo creando sus propias compañías.
--Es distinto. Yo no vine aquí y exigí tener una compañía. Yo estaba a punto de dirigir un teatro de ópera en Berlín cuando me llamó el Ministerio de Cultura. Entonces tenía ya 15 coreografías y se veían en todo el mundo. Y yo no pretendía que la gente viniera a verme a mí, era un cebo para potenciar la Compañía Nacional. Dicho esto, les deseo toda la suerte del mundo. Pero una cosa es ser un buen bailarín y otra dirigir una compañía y ser coreógrafo.

--¿Cuál es su próximo reto?
--Nunca me he puesto uno. Vivo al día y estoy muy a gusto bailando. Adoro a mis bailarines, son gente que me inspira y con ellos vamos a los mejores teatros del mundo. Pero también creo que ya es hora de tener un teatro propio y dejar de ir de aquí para allá. Me entristece ver que la orquesta, el teatro y la ópera tienen su propio espacio. Eso no pasa con la danza, no tenemos nada.

--Vienen elecciones ¿Qué partido sería más favorable para el sector?
--La danza es la cenicienta del arte. Ningún partido se preocupa de ella ni comprende su importancia.

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 Asunto: La Cena, nueva obra de Els Joglars
 Nota Publicado: Jue May 08, 2008 7:38 am 
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ENTREVISTA: ALBERT BOADELLA Dramaturgo y director de Els Joglars
"Hay un intento de convertirnos en una sociedad puritana"

MARGOT MOLINA - Sevilla - 08/05/2008

Albert Boadella, barcelonés de 64 años, inicia con La cena una nueva etapa tras acabar "saturado, aburrido y asqueado" de lo que ocurre en Cataluña. El fundador de Els Joglars, una de las compañías de teatro privadas más antiguas de Europa y que desde 1961 ha realizado más de una treintena de montajes, estrenará mañana en el teatro Lope de Vega de Sevilla La cena, una obra que no se representará en Cataluña. El espectáculo, una sátira en la que hace "un retrato de la impostura", gira alrededor de una cena que España tiene que ofrecer tras la celebración de una cumbre internacional sobre el cambio climático.

"La mayor conquista civilizada del hombre es el sentido del humor"

Pregunta. Tras su presentación, a finales del pasado año, del ensayo Adiós Cataluña, usted anunció que Els Joglars nunca volvería a representar sus obras en Cataluña. ¿Ha influido esa decisión en el planteamiento de La cena?

Respuesta. No me ha condicionado porque desde hace mucho tiempo venía haciendo mis obras en castellano; además, estoy saturado de todo lo relacionado con Cataluña. No tengo ningún interés en tocar temas de la que un día fue mi tribu, prefiero centrarme en otras tribus.

P. A sus críticas al nacionalismo ha sumado su apoyo al partido político Ciutadans de Catalunya, supongo que eso ha empeorado sus relaciones con el poder.

R. Quien se enfrenta al nacionalismo es automáticamente marginado y convertido en muerto civil. El nacionalismo no actúa como un partido, sino como una ideología y, por tanto, lo hace con cierto autoritarismo. En este sentido, el nacionalismo es como una dictadura que, si te metes con el poder, te margina.

P. Els Joglars ha tenido ya experiencias en este sentido durante la dictadura franquista...

R. A mí me gustan las cosas claras y en la dictadura lo estaban. Todos sabíamos a quien teníamos que odiar y a quien amar. Pero ahora, a pesar de la Constitución que nos protege, existen formas de marginación y censura que llevan a la muerte civil a los ciudadanos que no son políticamente correctos. Lo peor de todo es que este comportamiento parece lógico, cuando no lo es, porque esto es una democracia.

P. ¿Qué papel desempeña la lengua catalana en este enfrentamiento?

R. La lengua en Cataluña se ha convertido en un efectivo militar. Ha dejado de ser un vehículo de comunicación para convertirse en un arma contra otra lengua y esto me parece muy arriesgado. Es un bumerán para Cataluña. Se ha colocado todo el resentimiento sobre el castellano, lo consideran un enemigo y eso son paranoias muy autodestructivas.

P. Usted ha dicho que La cena es una obra "aparentemente fácil y divertida, pero con cierta maldad en el fondo".

R. Sí, porque creo que ésa es mi obligación. No tengo porqué ser agradable, quiero que al final el público se haga preguntas.

P. En el planteamiento de su obra el hombre occidental ha sustituido una religión por otras como la salvación del planeta, y eso pone en peligro la libertad individual. ¿Cree que esa amenaza es real?

R. Pienso que sí. A través de temas tan trascendentes como el calentamiento global o la necesidad de preservar el medio ambiente puede existir un intento ordenancista invocando razones superiores a la libertad individual. Lo venimos sufriendo en temas que atañen a fumadores, bebedores o taurófilos. Hay un intento de convertirnos en una sociedad puritana.

P. ¿De eso va La cena?

R. Pero con forma de sátira. Yo no puedo perder el sentido del humor, que es la máxima conquista civilizada del hombre. Hay animales que ríen, pero carecen de sentido del humor.

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 Asunto: Más sobre La Cena de Els Joglars
 Nota Publicado: Dom May 11, 2008 11:38 am 
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Más sobre "La Cena" de Els Joglars. Esta es la crítica en El País.


CRÍTICA: TEATRO
La tradicional receta de Boadella

MIGUEL ÁNGEL VILLENA 11/05/2008

Ha pasado mucho tiempo desde que Els Joglars deslumbrara, allá por los años sesenta y setenta, con montajes como Mary d?ous (Mary de huevos) con un memorable y único diálogo de "John, Mary, mua, mua, tilín, tilín, cataclin, clin, clin" en una genial parodia del matrimonio. En aquella época, el grupo catalán basaba sus espectáculos en un brillante y muy elaborado mimo y en influencias de cómicos tan dispares como Buster Keaton, Groucho Marx o Marcel Marceau. Frescura, innovación, sátiras despiadadas del poder -del político, del económico, del cultural- y riesgo escénico -en sentido figurado y literal, con accidentes incluidos- definieron el comienzo de la trayectoria de una de las compañías más renovadoras de Europa.

La obra destroza a profetas del medio ambiente o santones de cocina

Luego vinieron las palabras, cada vez más palabras y más verbo, y a veces verborrea, mientras Albert Boadella, dramaturgo, director y alma de Els Joglars, lanzaba sus dardos contra los músicos, los atletas, los políticos, los artistas o cualquier gremio que se le pusiera teatralmente a tiro. Nunca ha dejado Boadella de utilizar, con profusión y con inteligencia, el gesto y el lenguaje del cuerpo en su teatro. Ahora bien, el peso del mensaje, como dirían esos progres que tanto odia Boadella; una doctrina explícita y muy previsible y unas caricaturas de personajes convertidas en estereotipos han ido invadiendo, con el paso de los años, la escena de Els Joglars. Y todo ello, a pesar de que el magnífico grupo de actores que trabajan a las órdenes de Boadella desde hace décadas permite salvar cualquier espectáculo con notable dignidad y mucho oficio. Aunque el trabajo actoral de Els Joglars se basa siempre en una tarea de equipo y roza el sobresaliente, Ramón Fontseré alcanza la excelencia y desde sus interpretaciones de Jordi Pujol o Salvador Dalí, entre otros, está destinado a pasar a la historia del teatro español.

En la diana, Boadella ha situado ahora la omnipresente ecología y la gastronomía de moda con el pretexto de una cena que el Gobierno español debe ofrecer a dignatarios extranjeros como final de una cumbre sobre el cambio climático. Fiel a su estilo y con repetidas alusiones a la actualidad, que van desde el presidente Rodríguez Zapatero al cocinero Ferran Adrià pasando por el juez Baltasar Garzón, el grupo Els Joglars intenta no dejar títere con cabeza. Parodiados como si se tratara de líderes religiosos, que despliegan todo tipo de liturgias, la dramaturgia de Boadella destroza a los nuevos profetas del medio ambiente o a los santones de la cocina. Lo que ocurre es que el abuso de tópicos, diálogos simplones y situaciones repetidas hasta la saciedad, como las clases del maestro Rada a los cocineros españoles, lastran el ritmo de un montaje que arranca con brío, al ritmo de Las cuatro estaciones de Vivaldi, y va decayendo a los sones de El bolero de Ravel que gira machaconamente sobre sí mismo, como castigo para un cocinero díscolo o quizá para los espectadores más exigentes. De este modo, La cena describe una progresión dramática que languidece en busca de un final que resulta efectista y se intuye con claridad según avanza la obra.

No cabe duda de que los montajes de Els Joglars funcionan como un reloj bien engrasado por muchos años de trabajo en común entre director y actores y por concienzudos ensayos. El éxito de la compañía está asegurado todavía más en ciudades, como Sevilla -donde se estrenó La cena el pasado viernes-, con una oferta teatral más limitada que Madrid, Barcelona o incluso Valencia y que, por tanto, agradecen que un grupo de primera división frecuente sus tablas.

Boadella conoce a la perfección los trucos de la cocina teatral, la dedicación que necesita cada guiso o el punto de sal o de pimienta que pide cada plato. Ahora bien, precisamente esa sabiduría le ha llevado a jugar sobre seguro, a presentar una receta tradicional, contrastada una y mil veces con el público, pero cada vez con menos imaginación. Se podría decir que Els Joglars, pionero de la innovación en su día, presenta hoy un menú convencional que no asume riesgos. De aquella compañía que caminaba sobre el alambre para ensayar nuevas fórmulas teatrales, sólo queda hoy un grupo que repite los mismos ingredientes sabedor de que las recetas tradicionales nunca defraudan a los comensales.

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 Asunto: Un documental sobre Pasolini
 Nota Publicado: Lun May 12, 2008 4:53 pm 
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Pasolini se reencuentra con su 'lugar en el cine'
Un documental homenajea al malogrado director italiano con testimonios de Erice y Angelolpoulos, entre otros

- Valencia - 12/05/2008

Los directores Víctor Erice y Theo Angelopoulos homenajean en el largometraje Un lugar en el cine el legado trasgresor de Pier Paolo Pasolini, un adelantado a su tiempo que según ha relatado su actor fetiche, Ninetto Davoli, fue tratado "como un loco" por su visión violenta de la época que vivió. El documental es el debut cinematográfico de Alberto Morais, un vallisoletano afincado en Valencia que ha elegido esta ciudad para presentarlo en compañía de Davoli, quien en la película pone voz a quien fuera su descubridor y le dirigiera en filmes como El evangelio según San Mateo, Pajaritos y pajarracos, Teorema o Las mil y una noches.

Un lugar en el cine, que el próximo viernes se estrena en Madrid, Barcelona y Valencia tras recorrer varios festivales nacionales y extranjeros, recoge testimonios de Erice, Angelopoulos, Davoli, Tonino Guerra, vecinos de su localidad natal y extras que participaron en El espíritu de la colmena y Alejandro Magno (dirigidas por los dos primeros) como un homenaje global a Pasolini.

A través de imágenes de una gran belleza formal, el largometraje fija tres localizaciones para que sus actores ocasionales hablen del poder del cine, sobre todo el neorrealista: Italia, España y Grecia. Así, la capital romana sirve para enmarcar el influjo "fundacional", como relata Erice, de la Roma, città aperta de Rossellini en la ulterior obra de Pasolini, mientras Casarsa, no lejos de Trieste, en el noreste de Italia, protagoniza el relato (musical, futbolístico e incipiente marxista) de sus años infantiles y juveniles, y Ostia, junto al Mar Tirreno, la playa donde murió asesinado en 1975, luce como el "lugar del fin del mundo" que simboliza la necesidad el cambio social que anhelaba.

Por su parte, en Hoyuelos (Segovia) se revive El espíritu de la colmena con el recuerdo de sus escasos vecinos mientras Erice, desde la estación, analiza el estado de la industria cinematráfica y la "censura económica" que sufre, rememora la importancia del neorrealismo como "aventura sin certidumbres" y valora la disidencia y la "extraordinaria anticipación" de Pasolini. En Dotsikó, una zona montañosa del norte de Grecia, Morais reúne a sus también testimoniales habitantes para que recuerden el rodaje de Alejandro Magno, cuyo director reivindica el "lenguaje oculto" del cine como medio de resistencia y valora el papel del Mediterráneo como civilización común para griegos, italianos y españoles.

Con su ópera prima, Morais ha intentado "buscar cierta actitud moral ante el cine y la vida" desde el neorrealismo, y se enorgullece de haber conseguido que Erice y Angelopoulos participen en ella como "obligación" ética para trasladar al presente el legado de sus respectivas generaciones cinematográficas. "Sería muy difícil exhibir hoy en día las películas de Pasolini", reconoce Morais, quien lamenta las dificultades actuales de la distribución comercial de las películas y reivindica la "dialéctica histórica" que ha intentado plasmar en este homenaje al séptimo arte realizado hasta los años 70. Davoli, por su parte, califica de "emocionante" el haber participado en un proyecto que gira en torno a una persona que fue "tan importante" para él y con quien pasó unos años "maravillosos".

"La idea del film es potente, bella", señala el actor de Las brujas, Edipo rey o El Decamerón para reclamar la vigencia de su discurso cinematográfico, "trasgresor y violento" porque percibía los peligros que corría la nueva sociedad de consumo en los años 60. "Presentaba su visión del mundo y la gente no quería asumirla; lo trataron como a un loco", lamenta Davoli para reconocer que el impacto de su muerte consiguió eclipsar durante muchos años el peso profético de su lenguaje poético y visual, el que ahora intenta recuperar Morais con Un lugar en el cine.

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 Asunto: Festival deTeatro "Punto y Aparte"
 Nota Publicado: Mar May 27, 2008 6:09 am 
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FESTIVAL DE TEATRO PUNTO Y APARTE EN MURCIA

Este Festival, en su tercera edicion, tiene una programación bastante apetecible, del 22 de mayo al 4 de Junio. Su página web es http://www.festivalpuntoaparte.com , y la fotografía de la misma impresionante (digna del premio carteles de teatro), y aquí os añado además un artículo en ABC que os puede interesar. Si alguien tiene más información, estaría fenomenal que la adjuntara.


Subversión y espectáculo

Teatro Por José Gabriel López Antuñano.

- 24 de mayo de 2008 - número: 851

El mundo globalizado y sumiso a los dictados de unos pocos, la tendencia a caminar por la senda de lo políticamente correcto, aunque signifique ir contra los dictados de la conciencia, los rasgos distintivos del sistema imperante, una sociedad confortable y de bienestar, aunque sin personalidad y anestesiada, son algunos de los estímulos que incitan a Jorge Martínez, para levantar el telón del Festival Punto Aparte, que se celebra en Murcia entre el 22 de mayo y el 4 de junio, y que alcanza su tercera edición.

El carácter interdisciplinar marca una de las muchas características que separan este certamen de otros que, con la llegada del buen tiempo, proliferan en las cuatro esquinas del territorio nacional. Su programa recoge diez proyectos de procedencias variopintas: teatro, danza, música, fotografía y debates sobre cuestiones palpitantes.

Espíritu libre. A tenor de las intenciones del director los espectáculos y actividades programadas responden a un mismo patrón: experimentar nuevos lenguajes de expresión e interpretación y ofrecer una propuesta alternativa y crítica, «contemporánea y reivindicativa en los temas que trata, visceral, real, vanguardista y con un espíritu libre y liberador capaz de concienciar, de crear redes y romper automatismos». Con este planteamiento de base, el teatro, la danza o el cine de Punto Aparte no buscan complacer y entretener, sino conmover, excitar el ánimo del espectador, para que con una visión renovada del mundo circundante se replantee ciertos aspectos de su existencia. Se deduce de este presupuesto que las compañías que visitan Murcia carecen de acogida en circuitos convencionales, porque «cuentan verdades a gritos», que programadores y espectadores atrapados por el sistema no desean escuchar.

El leit motiv del festival 2008 es «Subversión», como «Inmigración» o «Violencia» fueron los lemas escogidos en las ediciones precedentes, y para responder a este título, Punto Aparte presenta dos estrenos nacionales de danza, dos proyectos teatrales, que al decir del Jorge Martínez «han sido un éxito nacional e internacional por la originalidad de sus propuestas, y una auténtica joya en el apartado de música (el concierto de Pascal Comelade). Con la programación escénica de este año se «da un salto cualitativo».

Cara y cruz del amor. Una pequeña barraca, que sólo admite 50 espectadores por pase, instalada en el Auditorio del Centro Municipal Puertas de Castilla, acoge Las tribulaciones de Virginia de los hermanos Oligor. El espectáculo se desarrolla con muñecos animados por poleas y pedales, que manipulan unos actores; junto a ellos una colección de máquinas artesanales también en movimiento cuentan una historia en la que conviven la cara y cruz del amor. Desde que Virginia y Valentín se encuentran de manera inopinada, cambian sus vidas: surge el afecto mutuo y los desencuentros que provocan la convivencia del amor. Además de los objetos y los manipuladores, el tango y la música de ferias acompañan el desarrollo de una historia de exquisita intimidad. Conservas se define como algo más que una compañía: son «un proyecto de agitación cultural para la transformación social a partir de la búsqueda, producción, difusión y gestión de propuestas innovadoras en el campo de las artes escénicas y visuales». Su propuesta, Realidades avanzadas, sigue en la trayectoria iniciada años atrás, crítica con el capitalismo y la sociedad de consumo.

El espectáculo entra en el campo de la performance, exigiendo la implicación del público para que se establezca una interacción entre espectadores e intérpretes sobre el hilo discursivo planteado por la compañía: la respuesta del ciudadano, las soluciones participativas para desactivar el descontento cívico ante situaciones de crisis, políticas, económicas o sociales. Realidades avanzadas tiene su génesis en una grabación colgada en la red, que denunciaba las tramas inmobiliarias en las que participan empresas, entidades financieras o administraciones públicas. El vídeo recogía imágenes realizadas con cámara oculta, junto a otras grabadas ex professo, con la intención de presentar de manera corrosiva e irónica el entramado de intereses detentado por aquellos que manejan el capital y excluyen a los que carecen de posibilidades económicas.

Espacio vacío. Con este punto de partida, la propuesta de Conservas ha evolucionado hasta presentar a otros propietarios que con su poder excluyen a los que carecen de medios. Pretenden con su espectáculo redefinir el concepto de propiedad, de modo que ésta «pueda también entenderse como el derecho a no ser excluido del uso o disfrute de algo», al tiempo se proponen ofrecer al espectador las herramientas para cambiar esta estructura social.

El capítulo de danza se abre con el estreno nacional de Amour, acide et Noix del coreógrafo canadiense Danielle Veille. En un espacio vacío cuerpos desnudos empiezan lentamente a evolucionar al ritmo de melodías de Vivaldi y de Led Zeppelin; después el ritmo rápido se combina con las detenciones instantáneas, creando en su conjunto un espectáculo emotivo y bello, que habla de la soledad y de la necesidad de conseguir unos instantes de ternura a través del contacto físico, de la dureza de la vida y de la búsqueda de subterfugios que la aminoren, del deseo de escapar de nosotros mismos, intentado arrancar el espíritu del cuerpo. Para Veille «la danza es una forma de expresión como lo son la poesía o la pintura: el poeta escribe con las palabras, el pintor con los colores, yo utilizo el cuerpo de los bailarines». Para conseguir este lenguaje corporal el coreógrafo se apoya en un conocimiento del cuerpo en su desnudez, como única forma de conseguir una expresión sincera y libre. Durante Amour, acide et Noix los bailarines permanecen desnudos de principio a fin del espectáculo y «el espectador percibe en la desnudez sus pensamientos, sus emociones, su corazón que palpita, sus músculos que se contraen. La piel es el verdadero vestido del cuerpo».

Los peores sentimientos. La compañía holandesa Danswerkplaats presenta Zoo, «una obra de gran fuerza -según Jorge Martínez-, muy crítica, que intenta sacar del público los peores sentimientos». Con una música de Simoni Giacomini, la coreógrafa italiana Gabriella Maiorino plantea un espectáculo en el que explora en la relación entre el hombre y la bestia, buscando sus nexos en esos puntos oscuros de la persona que surgen en la vida en forma de violencia, sexualidad, abusos, etc y que aproximan a unos y a otros: somos -en palabras de Maiorino- «los que usted ama, en los que sueña, los que follan, manipulan, pisotean, torturan, mutilan, etc».

Pascal Comedale presentará en el Centro Párraga su último disco, Método Rocanrol, en compañía de algunos de los músicos que le acompañan desde siempre. El concierto mostrará toda la singularidad de este músico, multiinstrumentista y creador de pequeñas composiciones: ofrecerá su peculiar versión de boleros, ritmos jamaicanos, composiciones de Kurt Weill, rumbas, tangos, deformados, decodificados o reescritos para su instrumentación particular: guitarras desvencijadas o de plástico, banjos, clarinetes, xilófanos, acordeones, saxofones, sierra musical, trompetas, pianos de juguete, mini órganos, batería, trombón, cuerdas, etc.

Punto Aparte se abre al cine con el preestreno de La hija del capitán, dirigida por José Luís García Sánchez y con guión de Rafael Azcona, basada en uno de los esperpentos de Martes de Carnaval de Valle-Inclán. La película, que cuenta con un reparto de lujo (Juan Diego, Juan Luis Gallardo, Magüi Mira, Adriana Ozores, etc.) se acompañará de un coloquio moderado por César Oliva.

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 Asunto: FESTIVAL DE ARTE DE VANGUARDIA EN TORREJON DE ARDOZ
 Nota Publicado: Dom Jun 01, 2008 12:11 pm 
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Han creado un festival con distintos tipos de manifestaciones artísticas en Torrejón de Ardoz, Madrid. No tiene página web, pero se puede ver el programa en la del Ayuntamiento.
El festival fue abierto por La Fura dels Baus, y aunque ha tenido poca promoción, parece que sí ha sido recogido en varios periódicos (Público, La Vanguardia).
Parece que a todos les ha dado por hacer grandes festivales, que no digo yo que este mal, pero se gastan grandes sumas de dinero en poco tiempo, dejando al descubierto el trabajo diario que las instituciones deben hacer en pro de la cultura.

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 Asunto: Fallece el fundador de Yorick Gonzalo Pérez de Olaguer
 Nota Publicado: Lun Jun 02, 2008 10:52 pm 
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- BARCELONA 2/6/2008

DUELO ENTRE BAMBALINAS
El crítico de teatro Gonzalo Pérez de Olaguer fallece a los 71 años

El periodista y crítico de teatro Gonzalo Pérez de Olaguer, de 71 años, ha fallecido en Barcelona hoy a consecuencia del cáncer que padecía.Tras trabajar para EL PERIÓDICO más de 20 años se ha convertido en un referente en el mundo de la escena.

Antes de trabajar como crítico de teatro en El Periódico durante 20 años, fundó y dirigió la revista Yorick, del grupo Bambalinas, y probó como empresario con la provocadora La noche de los asesinos, el debut de Mercedes Sampietro. Además tenía una librería, la Metropolitana, por la que pasaban todos los teatreros.

Buena parte de sus vivencias en torno a la escena y numerosísimas anécdotas se recogen en su último libro, Els anys difícils del teatre català, un ensayo editado por Arola.

Un crítico positivo

Joan Font, de Comediants, destacó hace tres meses de Pérez de Olaguer, con motivo de la aparición de su libro, su espíritu positivo. "Siempre ve la botella medio llena, acentúa las cosas buenas y esa actitud nos ha ayudado a seguir experimentando. Ha logrado que muchos no tengamos miedo al riesgo".

También entonces, el pasado febrero, José Luis Bozzo, al frente de Dagoll Dagom, dijo de Pérez de Olaguer. "Nunca le gustó hacer daño con sus críticas. Y creo que es, con Joan-Anton Benach, quien más escena catalana ha visto. Ama el teatro con locura".

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